The Concept of Disturbance in Architecture

Mimaride disturbance, geleneksel kuralları veya beklentileri bozan yada bunlara meydan okuyan kasıtlı tasarım tercihlerini ifade etmektedir. Düzensiz şekiller, asimetrik tasarımlar veya beklenmedik malzemelerin kullanımı gibi unsurları içerebilir. Mimaride disturbance, bir dinamizm, sürpriz duygusu yaratıp, izleyicide düşünce ve yansımayı kışkırtabilir. Genellikle sınırları zorlamak, benzersiz ve unutulmaz mimari deneyimler yaratmak için kullanılır.

Mimarlık tarihinde, disturbance kavramı, geleneksel normları ve stilleri zorlayan çeşitli biçimlerde ve akımlarda görülebilir. Bunun dikkat çekici bir örneği, daha önceki Romanesk tarzla zıtlık oluşturan sivri kemerler, kaburgalı tonozlar ve uçan payandalar gibi ezber bozan unsurları ortaya çıkaran Orta Çağ Gotik mimarisidir.

Bir diğer örnek ise, 17. ve 18. yüzyılların Barok mimarisidir. Bu akım, dramatik formlar, karmaşık süslemeler ve dinamik aydınlatma efektlerini benimseyerek hareket ve duygu hissi yaratmayı amaçladı. Klasik mimari ilkelere yapılan bu disturbance, izleyicilerde hayranlık ve görkem duygusu uyandırmak için tasarlandı.

20. yüzyılın sonlarında Deconstructivism gibi akımlar, geleneksel formları yıkarak mekan ve işlev algılarına meydan okuyan parçalı, doğrusal olmayan yapılar yaratarak mimaride disturbance kavramını daha da araştırmıştır.

Mimarlıkta disturbance, kültürel, teknolojik ve sanatsal etkilerin yapılandırılmış çevre üzerindeki evrimini yansıtan, tarih boyunca tekrarlanan bir tema olmuştur.

Leon Battista Alberti, mimarlıkta disturbance kavramını ilk kullanan mimar olarak tanınmasa da, Rönesans döneminde mimarlık teorisi ve pratiğinin gelişiminde önemli bir rol oynamıştır. Alberti, "De re aedificatoria" (On the Art of Building) adlı etkili eseri yazan, önemli bir İtalyan mimar, teorisyen ve yazardı. Bu eser, klasik mimarlık ve tasarım ilkelerini ortaya koymuştur.

Alberti'nin çalışmaları, uyumlu oranlar, matematiksel prensipler ve antik Roma'nın klasik formlarının yeniden canlandırılması üzerine odaklanmıştır. Tasarımları denge ve simetri ilkelerine dayansa da, Alberti aynı zamanda mimaride ilgi ve güzellik yaratmak için çeşitlilik ve farklılıkların önemini vurgulamıştır.

Mimarlıkta disturbance kavramı ilk kez kimin tanıttığını belirlemek zor olsa da, geleneksel normları zorlamak ve bozmak, mimarlık tarihinde tekrar eden bir tema olmuştur. Ancak, sınırları zorlamak ve tasarımlarında rahatsız edici unsurlar tanıtmak konusunda özellikle etkili olan birçok mimar ve akım olmuştur.

Daha yakın zamanlarda, Deconstructivism gibi akımlarla ilişkilendirilen mimarlar, örneğin Frank Gehry ve Zaha Hadid, alışılmadık yaklaşımlarıyla tanınmışlardır. Geleneksel formları yıkarak ve parçalanmış, doğrusal olmayan yapılar oluşturarak mekân ve işlev algılarını zorlamışlardır.

Mimarlıkta disturbance kavramı zaman içinde evrim geçirerek, çeşitli mimar ve akımların tasarımda rahatsız edici unsurları keşfetmesine katkıda bulunmuştur.

Mimarlık teorisinde, "postulate space" kavramı, fiziksel veya pratik kısıtlamalarla sınırlı olmayan teorik veya spekülatif bir mekânı ifade eder. Postulate space, fiziksel dünyada gerçekleştirilemeyebilecek fikirleri, teorileri ve tasarım olasılıklarını keşfetmek için kullanılan kavramsal bir araçtır ve yenilikçi düşünceyi yaratıcı çözümleri teşvik edebilir.

Gian Lorenzo Bernini, Barok döneminin İtalyan mimarı ve sanatçısı, mimarlıkta yenilikçi ve rahatsız edici yaklaşımıyla tanınır. Bernini, duygusal ve teatral mekânlar yaratmak için ışık, gölge ve hareketi kullanarak dramatik ve dinamik formların ustasıydı.

Bernini'nin en ünlü mimari eserlerinden biri, Vatikan'daki Aziz Petrus Meydanı'nı çevreleyen sütunlardır. Bu sütunlar, meydanı kucaklayıp ziyaretçileri karşılıyor gibi görünür. Sütun dizisinin dalgalı formu, hareket ve ritim duygusu yaratarak gözleri merkezde ki dikilitaşa ve Aziz Petrus Bazilikası'nın cephesine doğru yöneltmektedir.

Mimari eserlerinin yanı sıra, Bernini dinamik ve etkileyici heykelleriyle tanınan yetenekli bir heykeltıraş ve ressamdı. Yoğun duygu ve heyecanlarını yansıtan dinamik ve etkileyici heykelleriyle tanınıp, mimari ve mekânı yenilikçi yollarla bütünleştirme yeteneği, onu sanat ve mimarlık tarihinde çığır açan bir figür olarak öne çıkarmıştır.

Bernini'nin çalışmaları, cesur ve teatral tasarımlarıyla geleneksel kuralları zorlayan, izleyiciler için sürükleyici ve etkileyici mekânlar yaratan disturbance kavramını mimarlıkta örneklemektedir. 

Francesco Borromini, 17. yüzyılın etkili İtalyan mimarıydı, yenilikçi ve dinamik Barok tarzıyla tanınır. Borromini, Gian Lorenzo Bernini'nin çağdaşıydı ve ikisi de 17. yüzyıl boyunca Roma'nın mimari peyzajında önemli etki yaratmışlardır.

Francesco Borromini, geometrik ve mekânsal deneylerle öne çıkan özgün ve ayrıntılı mimari tasarımlarıyla tanınır.  Binaları genellikle karmaşık kıvrımlar, dramatik açılar ve görsel olarak çarpıcı ve duygusal olarak ilgi çekici alanlar yaratmak için ışık ve gölgenin aktif kullanımını ön plana çıkarmıştır.

Francesco Borromini'nin en ünlü eserlerinden bazıları, Roma'daki San Carlo alle Quattro Fontane Kilisesi ve Sant'Ivo alla Sapienza Kilisesi'dir. Bu yapılar, onun Barok mimarisindeki ustalığını, dinamik ve sürükleyici ortamlar yaratma becerisini sergilemektedir.

Bernini gibi Borromini de geleneksel mimari kalıplarının sınırlarını zorlamış ve tasarımlarına yeni formlar ve fikirler katmıştır.  Çalışmaları, mimarlık tarihindeki yaratıcılığı, karmaşıklığı ve güzelliği ile tanınmaya devam etmektedir.

Barok tarzı, 16. yüzyılın sonlarında ortaya çıkan ve 17. ve erken 18. yüzyıllarda gelişen bir tarzdır. Bu tarz, süslü ve dramatik unsurlar, dinamik mekân kullanımı ve duygusal yoğunluk ile karakterize edilir.

Barok mimaride, mimarlar, izleyicide hayranlık ve şaşkınlık uyandıran görkemli ve teatral binalar yaratmayı amaçladılar. Bu tarz, genellikle ayrıntılı süslemeler, cesur formlar, hareket ve dinamizm duygusu içermektedir. Barok binalar, kavisli çizgiler, dramatik aydınlatma efektleri ve zengin süslemeler gibi çeşitli mimari unsurlar kullanılarak etkileyici ve büyüleyici olacak şekilde tasarlanmıştır.

Barok mimarisiyle ilişkilendirilen kilit figürlerden biri, Roma'daki Barok tarzını şekillendirmede önemli bir rol oynayan İtalyan mimar, heykeltıraş ve ressam Gian Lorenzo Bernini'dir. Bernini'nin Aziz Petrus Meydanı ve Santa Maria della Vittoria'daki Cornaro Şapeli gibi mimari eserleri, Barok mimarinin dinamik ve teatral niteliklerini örneklemektedir.

Diğer önemli Barok mimarlar arasında, karmaşık ve ayrıntılı Barok tasarımını İtalya'da örnekleyen eserleriyle Francesco Borromini ve Guarino Guarini de yer alır. Bu mimarların çalışmaları, Barok mimarinin gösterişli ve karmaşık doğasını gözler önüne serer.

Ünlü İtalyan Rönesans mimarı Andrea Palladio, karmaşa veya kaos anlamındaki "rahatsız edici yöntemler"den ziyade klasik ve uyumlu mimari tarzıyla tanınıyor. Palladio'nun çalışması, dengesi, oranı ve antik Roma mimarisinden türetilen klasik ilkelere bağlılığıyla karakterize edilir. Palladio'nun çalışmaları, simetri, düzen ve uyum gibi klasik ideallerden etkilenmiştir.

Zarif ve dengeli bileşenler yaratmak için sıklıkla sütunlar, sütun başlıkları ve matematiksel oranlara dayalı orantılar gibi unsurları bir araya getirmiştir. Palladio'nun İtalya'nın Veneto bölgesindeki villaları, kiliseleri ve sarayları güzellikleri, sadelikleri ve klasik zarafetleriyle tanınır.

Palladio'nun çalışmaları, Barok mimarisinin dramatik ve dinamik nitelikleriyle ilişkilendirilmese de, Batı mimarisine kalıcı bir etki yapmıştır ve zarafeti ve klasik idealleriyle övülmeye ve incelenmeye devam etmektedir.

Peter Eisenman, çağdaş Amerikalı bir mimar ve teorisyen olarak, mimarlıkta avangart ve teorik yaklaşımıyla tanınır. Deconstructivism olarak bilinen mimari akımla ilişkilendirilir ve mimarlıkta form, yapı ve işlevin geleneksel kavramlarını sorgular.

Yazılarında, Peter Eisenman tarihsel örnekler, teorik kavramlar ve tasarım metodolojileri dahil olmak üzere çeşitli mimari konuları incelemiştir. Eisenman'ın, Andrea Palladio ve onun mimari yöntemleri hakkında eleştirel veya teorik bir bakış açısıyla yazmış olması mümkündür. Bu yazılarında, Palladio'nun klasik prensiplerinin çağdaş bir bakış açısıyla nasıl yeniden yorumlanabileceği veya bozulabileceği incelenebilir.

Eisenman'ın rahatsızlık, parçalanma ve mimari konvansiyonların dekonstrüksiyonuna olan ilgisi, onu Palladio gibi tarihi figürleri yeni bir ışıkta incelemeye yönlendirebilir; fikirlerinin nasıl altüst edilebileceğini veya dönüştürülebileceğini keşfedebilir. Önde gelen bir mimar ve mimari teorisyeni olarak, Peter Eisenman yazılarında ve tasarım projelerinde Andrea Palladio'nun çalışmalarıyla ilgilenmiştir. Eisenman, mimarlıkta teorik yaklaşımı ile tanınır; bu genellikle mimari konvansiyonları ve tarihsel örnekleri sorgulamayı ve yeniden yorumlamayı içerir.

Palladio'nun eserlerini keşfederken, Eisenman Palladio'nun klasik prensiplerini ve formal dilini çağdaş bir bakış açısıyla nasıl dekonstrüksiyon yapılabilir, rahatsız edilebilir veya yeniden yorumlanabileceğine odaklanmıştır. Eisenman'ın rahatsızlık, parçalanma ve mimari unsurların manipülasyonuna olan ilgisi, onu Palladio'nun mimarisini yenilikçi şekillerde eleştirel olarak incelemeye yönlendirmiştir.

Eisenman, Palladio'nun tasarımlarını altında yatan geometrileri, oranları ve mekansal ilişkileri açısından analiz edebilir; görünüşte uyumlu kompozisyonların içindeki gizli karmaşıklıkları veya çelişkileri ortaya çıkarmaya çalışabilir. Ayrıca, Palladio'nun mimari dilinin nasıl altüst edilebileceğini veya dönüştürülebileceğini, geleneksel form, yapı ve anlam kavramlarını sorgulamak için keşfedebilir.

Palladio'nun eserlerini dekonstrüktivist veya postmodern bir bakış açısıyla yeniden yorumlayarak, Eisenman mimarlık, tarih ve tasarım hakkında yeni düşünme yollarını teşvik etmeyi amaçlar. Palladio üzerine kuramsal yazıları muhtemelen tarihsel mimari örneklerin çağdaş uygulamada nasıl yeniden hayal edilebileceği ve yeniden icat edilebileceği konusunda içgörüler sunar.

Heterogeneous Space;

Mimarlıkta Heterogeneous Space kavramı, özellikle postmodernizm ve dekonstrüktivizm alanlarında, 20. yüzyılın sonlarında önemli bir teorik ve tasarım fikri olarak ortaya çıktı. Mimarlar ve teorisyenler, tek bir mimari kompozisyon içinde birden çok etki, referans ve anlamı içeren, çeşitli, karmaşık ve katmanlı mekânlar oluşturma fikrini keşfetmeye başladılar.

Robert Venturi, Denise Scott Brown ve Aldo Rossi gibi postmodern mimarlar, Heterogeneous Space kavramını benimsedi ve mimarlıkta modernist vurguyu olan saflık, basitlik ve birlik gibi özellikleri sorguladılar. Onlar, kültürel referanslar, tarihsel göndermeler ve bağlamsal ilişkiler bakımından zengin mekânlar yaratmayı amaçladılar ve böylece çağdaş toplumun karmaşıklıklarını ve çelişkilerini yansıttılar.

Peter Eisenman, Zaha Hadid ve Frank Gehry gibi dekonstrüktivist mimarlar, mimari form ve mekânda parçalanma, yer değiştirme ve belirsizlik kavramlarını keşfederek Heterogeneous Space sınırlarını daha da zorladılar. Tasarımları genellikle geleneksel tutarlılık ve birlik kavramlarını sorgulayan dinamik ve doğrusal olmayan mekânsal konfigürasyonlar içeriyordu. 

Heterogeneous Space kavramı, çağdaş mimaride halen önemli bir tema olarak devam etmektedir. Mimarlar, küreselleşmenin, dijital teknolojinin ve kültürel çeşitliliğin karmaşıklıklarıyla başa çıkmaya çalışırken heterojenliği kucaklayarak tasarımlarında açık, çoklu yorumlara, deneyimlere ve etkileşimlere açık mekânlar yaratabilirler. Bu, çağdaş dünyanın çeşitli ve birbirine bağlı doğasını yansıtır. 

Genel olarak, mimarlıkta Heterogeneous Space keşfi, modernist mimarlıkta homojenlik ve birbirine benzerlikten ayrılarak, çeşitliliği, karmaşıklığı ve çoğulculuğu kutlayan daha incelikli ve kapsayıcı bir mekânsal tasarım yaklaşımı sunar. 

Mimarlıkta "Presence of Absence" kavramı genellikle fiziksel olarak bulunmayan unsurlara atıfta bulunarak veya eksiklik hissi uyandıran mekânlar tasarlama fikriyle ilişkilidir. Bu kavram, mimari tasarımda yansıma, hafıza ve duygusal bağ kurma imkânı sağlar.

Bu kavramın mimaride nasıl uygulandığına dair birkaç örnek: 

1- Memorial Architecture: Anıtlar ve anıtlar, bir kayıp hissi uyandırmak veya yokluğun kendisini anmak için sıklıkla yokluğu kullanır. Örneğin Washington, D.C.'deki Vietnam Gazileri Anıtı, güçlü bir duygusal tepki uyandırmak için minimalist bir tasarım kullanır; yansıtıcı yüzey, ziyaretçilerin ölen askerlerin isimlerinin yanında kendi yansımalarını görmelerine olanak tanıyarak dokunaklı bir varlık ve yokluk hissi yaratır.

2- Negative Space : Negatif alanı etkili bir şekilde kullanmak güçlü bir yokluk hissi yaratabilir. Bu durum, dekorasyon veya aşırı unsurların yokluğunun sakinlik, odaklanma veya tefekkür hissi uyandırabildiği minimalist mimaride görülür.

3- Ruins and Adaptive Reuse : Kalıntıları veya tarihi unsurları içeren mimari tasarımlar genellikle bir zamanlar ne olduğunu vurgulayarak geçmiş ve bugün arasında bir diyalog yaratır. Bu, eski cepheleri veya kalıntıları yeni tasarımlar içinde koruyan, orijinalin yokluğunu vurgularken anısını kutlayan yapılarda belirgindir.

4- Installations and Temporary Structures: Geçici enstalasyonlar genellikle varlık ve yokluk fikriyle oynar. Örneğin, belirli bir süre sonra sökülen geçici pavyonlar veya sanat enstalasyonları, söküldükten sonra yokluklarının etkisini vurgulayarak manzara ve anılar üzerinde bir iz bırakır.

5- Light and Shadow: Mimaride ışık ve gölge kullanımı yokluk kavramını da aktarabilir. Mimarlar, ışığın mekanlarla nasıl etkileşime girdiğini kontrol ederek, görünen ve görünmeyen, mevcut ve yok arasında bir etkileşim yaratırken dikkati belirli alanlara yönlendirebilirler.

6- Symbolic Representation: Mimari, olmayan şeylere atıfta bulunan semboller veya motifler içerebilir. Bu, bir alanın veya topluluğun kültürel veya tarihi önemini çağrıştıran, ziyaretçilere bir zamanlar ne olduğunu veya soyut olanı incelikle hatırlatan tasarımları içerebilir.

7- Case Studies
Yahudi Müzesi, Berlin (Daniel Libeskind): Bu bina, Holokost nedeniyle Berlin'deki Yahudi yaşamının yokluğunu temsil etmek için boşluklar ve boş alanlar (“Boşluklar” olarak adlandırılır) kullanır. Boşluklar fiziksel olarak erişilemez ve sade olup yokluğu güçlü bir şekilde sembolize etmektedir.
9/11 Anıtı, New York Şehri: Orijinal İkiz Kulelerin ayak izleri yansıtma havuzlarına dönüştürülmüştür. Kenarlara kazınan kurbanların isimleri ve boşluklara inen şelaleler kaybın büyüklüğünü güçlü bir şekilde ifade etmektedir. Mimari tasarımda presence of absence anlamak ve dahil etmek, insanlarda derin yankılar uyandıran, orada olmayanın düşünceli kullanımı yoluyla duyguları ve anıları çağrıştıran mekanlar yaratabilir.

Mimaride “presence of absence” kavramı, tasarım tarihine incelikle yerleştirilmiştir. Bu fikir, belki her zaman açık olmasa da, çeşitli mimari dönemleri ve tarzları etkilemiştir. Köklerini keşfetmek, farklı dönemlerin ve kültürlerin neyin dahil edildiği ve neyin dışarıda bırakıldığı arasındaki dengeye nasıl yaklaştığını keşfetmeyi içerir.

Tarihsel bir genel bakış:

A-Antik Mimari

1- Mısır Tapınakları ve Piramitleri
Sonsuzluk Olarak Yokluk: Tapınaklar ve piramitler genellikle ruhun öbür dünyadaki yolculuğunu anlatmak için boşluklar, odalar ve geçitler içerir. Büyük Giza Piramidi gibi piramitlerin iç boşlukları, sonsuzluk kavramını ve içinde yaşayanların yokluğunun önemini kapsar.
2- Yunan ve Roma Mimarisi
Kutsal Alanlar: Antik Yunan tapınaklarında, cella (merkezi oda) genellikle bir kült heykeli barındırırdı ve etrafındaki alan, kutsal, saygı duyulan bir alan yaratarak seküler kullanımın kasıtlı olarak yokluğunu temsil ederdi.
3-Forum ve Kamusal Alanlar: Roma forumları genellikle toplumsal varlığı ve siyasi gücü sembolik olarak vurgulamak için açık alanlar kullanmış, özel kullanımın yokluğu kamusal alanın önemini vurgulamıştır.

B- Orta çağ Mimarisi
1- Gotik Katedraller
1.1- Işık ve Yokluk: Notre-Dame de Paris gibi Gotik katedraller ışığı manipüle etmek için geniş açık iç mekanlar ve büyük vitray pencereler kullanmıştır. Mekânsal boşluk, aşkınlığa ulaşmak için fiziksel yokluğu kullanarak dikkati ilahi olana yöneltmiştir.
2- Manastır Mimarisi
2.1- Dehlizler: Orta çağ manastırlarındaki dehlizlerin tasarımı, tefekkür ve sessizlik alanları yaratan, dünyevi etkilerin yokluğunu ve ruhani düşüncenin varlığını vurgulayan açık avlular içeriyordu.

C-Rönesans ve Barok Mimarisi
1- Rönesans
1.1- Perspektif ve Orantı: Rönesans mimarisi, klasik ideallere dönüşüyle birlikte, genellikle simetri ve orantı yoluyla yokluğun tasarlandığı alanlar yaratmıştır. Örneğin, Floransa'nın Piazza della Signoria gibi ahenkli boş meydanları, sivil gururu ve toplumsal faaliyetleri geliştirmek için boş alanları kullanmıştır.
2.- Barok
2.1- Dramatik İç Mekanlar: Barok mimarisi, ruhani deneyimi dramatize etmek ve yükseltmek için yokluğu kullanarak, fresklerle süslü kiliselerin göklere açılan tavanları gibi dinamik formlar ve büyük boşluklar kullanmıştır.

D- Modern ve Çağdaş Mimari
1- Modernizm (20. Yüzyıl)
1.1- Less is More: Ludwig Mies van der Rohe gibi mimarlar, süslemenin ve gereksiz unsurların yokluğunun sadelik ve netlik yarattığı minimalizmi benimsemişlerdir. Tasarlanan mekânlarda genellikle açık planlar kullanılmış, esneklik ve kesintisiz alan hissi sağlanmıştır.
1.2- Le Corbusier’s Villas: Villa Savoye gibi tasarımlarda açık planlar, geniş pencereler ve çatı terasları kullanılmış, iç duvarların yokluğu geleneksel iç mekân sınırlarını kırarak doğayı içeriye davet etmiştir.
2- Çağdaş Mimari
2.1- Memorials and Minimalist Designs: Peter Eisenman'ın Berlin Holokost Anıtı gibi çağdaş anıt tasarımları, düşünce ve yansımayı kışkırtmak için presence of absence kullanır. Kentsel çevrelerdeki boş alanlar veya sade malzemeler, kayıp ve hafızaya bağlı duyguları uyandırır.
2.2- Adaptive Re-use: Modern uyarlanabilir yeniden kullanım projeleri genellikle neyin kaldığını ve neyin kaybedildiğini vurgulayarak yeni ve eski arasında diyaloglar yaratır. Örneğin, New York'taki High Line, terk edilmiş bir demiryolunu, trenin yokluğunun kentsel dönüşüm hakkında sürekli bir anlatı olduğu halka açık bir parka dönüştürmektedir.
Tarih boyunca “presence of absence” kavramı, antik ve orta çağ mimarisindeki kutsal ve tefekkür alanlarından Rönesans ve Barok tasarımlarındaki edebi, dramatik boşluklara kadar evrilmiştir. Modern ve çağdaş mimaride ise minimalizm, uyarlanabilir yeniden kullanım ve güçlü anma alanları ile kendini göstermektedir. Bu kalıcı fikir, bizi yapılı çevrede mekân, hafıza ve duygulara dair daha derin bir anlayışa bağlamaktadır.

Postulate Space;

Mimarlar ve teorisyenler, alternatif mekânsal konfigürasyonlar hayal etmek, alışılmadık geometriler denemek veya geleneksel mimari geleneklere meydan okumak için Postulate space tanımını kullanabilirler. Tasarımcılar, fiziksel gerçekliğin sınırlamalarından kurtularak yeni olasılıkları keşfederek, yerleşik normları sorgulayabilir ve mimari hayal gücünün sınırlarını zorlayabilirler.

Postulate space aynı zamanda teorik söylem için bir platform görevi görerek ve mimarların soyut kavramlar, felsefi fikirler ve pratikte doğrudan bir uygulaması olmayan ancak mimari düşünceyi bilgilendirip zenginleştirebilecek spekülatif senaryolarla ilgilenmesine olanak tanır. Mimarlar, postulate space ifadesinde faaliyet göstererek radikal fikirleri, alışılmadık yaklaşımları ve mimarlığın geleceği şekillendirme potansiyeline sahip vizyoner kavramları keşfedebilirler.

Postulate space, mimarların pratik düşüncelerle kısıtlanmadan deney yapabilecekleri, spekülasyonda bulunabilecekleri ve hayal kurabilecekleri yaratıcı bir alanı temsil eder. Keşif, yenilik ve entelektüel sorgulama yapmak için bir alan sunarak tasarımcıların mimari söylemin sınırlarını zorlamalarına ve yapılı çevre için yeni olasılıklar öngörmesine olanak tanır.